Me in my going out of myself (and you in yours)

Texte de l'exposition d'Emile Hermans et Reiner Vrancken à SB34 The Pool, Bruxelles 

(pictures : Chantal Van Rijt)

 

 

 

english below

« Me in my going out of myself (and you in yours) » est une affaire d’échanges et de relations, de moi à toi et vice et versa, de circulation d’objets et d’identités, de fiction et d’artificialité, de statut ontologique non stable. D’Emile Hermans à Reiner Vrancken, ou l’inverse, il est question de devenir un peu l’autre, de se laisser guider afin de projeter des désirs inexprimés. Dans l’espace SB34-The Pool, on y prête des vêtements, offre des fleurs, respire l’odeur d’un·e inconnu·e, choisit l’œuvre d’un ami, se projette à travers elle et, enfin, décide, circonspect·e, du statut de ce que l’on observe.

Dans un premier temps, Reiner Vrancken et Emile Hermans se sont amusés à choisir chacun une pièce spécifique dans le travail de l’autre. La décision de ce qui est exposé se trouve déléguée, révélant quelque chose de l’un dans l’œuvre privilégiée, dévoilant la confiance réciproque dans le procédé. C’est ainsi que Reiner Vrancken présente, choisi par Emile Hermans, Every body becoming everybodyelse. L’œuvre consiste en un protocole à activer : une personne A est invitée à confier à l’artiste un ensemble de vêtements qu’elle porte durant une journée – sous-vêtements compris. Ces habits sont lavés par une personne B, qui ne connaît pas la première. La tenue de A est ensuite exposée, pliée, portant l’odeur de la lessive de B. Puis B confiera elle-même un ensemble de vêtements à C et ainsi de suite, dans une chaîne olfactive de propreté. À la fin de l’exposition, l’ensemble est remis à son propriétaire, accompagné d’un certificat attestant du nouveau statut qui lui a été conféré. Il revient à A ou B de faire un choix : fétichiser les vêtements ou se remettre à les porter, les laver et ainsi faire disparaître l’odeur étrangère – et l’œuvre par la même occasion ?

Transaction, échange et projection sont aussi en jeu dans Chromatonement. Ce que présente Emile Hermans, choisi par Reiner Vrancken, réside en un bouquet de fleurs artificielles en tissu. Plongées par l’artiste dans de la peinture verte, leur délicate coloration a disparu au profit de celle des écrans d’incrustation. Glissées dans un vase improvisé, elles semblent avoir été oubliées là. Si les fleurs remplacent les gauches déclarations et permettent souvent de formuler un indicible, que disent-elles ici ? Quel pardon est réclamé ? Quel amour est à incruster ? Rien n’indique leurs intentions. Vertes et inaltérables, muettes et inodores, elles sont les réceptacles de nos désirs insatisfaits.

« Me in my going out of myself (and you in yours) » oscille en permanence entre deux régimes d’existence. Le premier, immanent, n’est autre que l’ensemble matériel qui constitue l’exposition. Le deuxième, transcendant, est déterminé par la capacité des œuvres à dépasser leur consistance. Cette aptitude passe ici par le récit que je produis et par la suspension d’incrédulité que nous vous proposons. Accorderez-vous le statut d’œuvre d’art à ces objets relativement communs, bien qu’incongrus ici ? Accepterez-vous d’accueillir « le sentiment, fondé ou non, que cet objet a été produit dans une intention, au moins partiellement, esthétique¹ » ? Galerie, texte, arguments d’autorité mettent en jeu un régime de croyance dans lequel nous vous invitons à entrer afin de transcender les fleurs – exhibant presque vulgairement leur artificialité – et la pile de vêtements propres parfaitement agencés. Face à ces « ready-mades aidés », vous effectuez d’abord une « association spontanée » : les vêtements renvoient au quotidien, à des catégories socio-culturelles ; les fleurs, à un évènement, une intention. Présentés dans une exposition, ces objets produisent une nouvelle association, qui procède plutôt d’une dissociation, puisque la première doit être effacée au profit de la seconde. Mais vous pouvez ne pas aller au-delà de cette habitude, ne pas vous inquiéter outre mesure de ce que vous avez sous les yeux et considérer comme fous ceux qui ont proposée cette incongruité. Emile Hermans et Reiner Vrancken choisissent ici leurs spectateur·ices. Celleux, qui, attentif·ves, vont essayer de comprendre où ils veulent en venir². La réception n’est ni aisée ni inactive ; elle s’entend selon un rapport réflexif et productif. Ce qui se montre n’est pas destiné à satisfaire votre plaisir visuel mais votre intelligence. À vous de recevoir ce qui est exposé, d’y adhérer ou non, de les intégrer et de les dépasser, de les faire entrer dans la continuité mouvante de l’expérience. Si « Me in my going out of myself (and you in yours) » simule parfois ce qui devrait être et se moque peut-être de ce qui n’est pas, l’exposition, plus qu’à voir, donne à penser ce qui est.

Ou plus qu’à voir, « Me in my going out of myself (and you in yours) » donne à penser ce qui est, simule parfois ce qui devrait être et se moque peut-être de ce qui n’est pas. « Me in my going out of myself (and you in yours) » se moque peut-être de ce qui n’est pas et, plus qu’à voir, donne à penser ce qui est, pour simuler parfois ce qui devrait être.

1Gérard Genette, « La relation esthétique » (1997) dans L’œuvre de l’art, Seuil, Paris, p. 400.

2 Nous paraphrasons ici une analyse de Marc Decimo à propos des ready-mades de Duchamp. Voir Marc Decimo, Le Duchamp facile, Les Presses du réel, Dijon, 2005, p. 46-47. 

 

ENGLISH

Me in my going out of myself (and you in yours)

“Me in my going out of myself (and you in yours)” deals with exchanges and relationships—from me to you and vice versa—with circulating objects and identities, fiction and artificiality, and unstable ontological statuses. From Émile Hermans to Reinier Vrancken, or the other way around, it’s a matter of becoming the other a little, of letting oneself be taken in hand so as to project unexpressed desires. In the space of SB34-The Pool, clothes are lent, flowers offered, we breathe the scent of a stranger, choose the work of a friend, project ourselves through it, and finally, with circumspection, decide on the status of what we have observed.

Reinier Vrancken and Émile Hermans begun by each choosing a specific piece from the other’s body of work. The decision of what to exhibit is delegated, revealing something of each of them in the chosen work, unveiling their reciprocal confidence in the process. Reinier Vrancken’s work Every body becoming everybody else has thus been chosen for exhibition by Émile Hermans. The work consists of a protocol to be activated: Person A is invited to give the artist a set of clothes. Person B washes them without knowing anything about Person A. A’s outfit is then exhibited folded up and smelling like B’s laundry detergent. Then B gives a set of clothes to C and so on, in an olfactive chain of cleanliness. At the end of the exhibition, the outfit is given back to its owner, with a certificate attesting to the new status it has acquired. A and B have to make a choice: either fetishise the clothes or start wearing them again, wash them, and in doing so rid them of their foreign smell—and of the artwork in the same gesture?

Transaction, exchange, and projection are also at play in Chromatonement. This work by Émile Hermans, chosen by Reinier Vrancken, consists of a bunch of artificial, fabric flowers. Hermans has dipped them in green paint, their delicate tones disappearing under the colour of a green screen. They have been dropped into an improvised vase and seem to have been forgotten there. If flowers replace awkward declarations and often make it possible to formulate the unsayable, what are they saying here? What forgiveness is being asked for? What love waits to be inserted into its projected background? Nothing indicates their intentions. Green and inalterable, mute and scentless, they are the receptacles of our unsatisfied desires.

“Me in my going out of myself (and you in yours)” permanently oscillates between two regimes of existence. The first, which is immanent, is nothing but the material make-up of the exhibition. The second, which is transcendent, is determined by the artworks’ capacity for going beyond their consistency. This aptitude is conveyed here through the story I’m producing and through the suspension of disbelief that we are offering up to you. Do you accord these relatively common if incongruously situated objects the status of artworks? Do you agree to play host to ‘the feeling, whether well-founded or not, that this object has been produced with at least partly aesthetic intention’¹? Gallery, text, arguments from authority all bring into play a regime of belief that we invite you to enter into in order to transcend the flowers—almost vulgarly exhibiting their artificiality—and the pile of perfectly stacked clean clothes. Looking at these ‘aided ready-mades’, you first of all make a ‘spontaneous association’: the clothes recall the everyday, socio-cultural categories; the flowers recall an event, an intention. Exhibited together, these objects produce a new association, which issues rather from a dissociation, since the former must be effaced in order to make way for the latter. But you can decide not to go further than this habit, not worry too much about what you are looking at and think those who’ve proposed this incongruity are mad. Émile Hermans and Reinier Vrancken choose their viewers here. Those who are attentive enough to try to understand where they want to go.² Reception is neither easy nor inactive; it’s a reflexive and productive relationship. What has been put on show is not meant to satisfy your visual pleasure but your intelligence. It’s up to you to receive what has been exhibited, to accede to it or not, to integrate and go beyond the artworks, to bring them into the moving continuity of your experience. If “Me in my going out of myself (and you in yours)” at times simulates what should be and perhaps scoffs at what is not, the exhibition invites us to think what is more than to see it.

More than to see it, “Me in my going out of myself (and you in yours)” invites us to think what is, simulates at times what should be and perhaps scoffs at what is not. “Me in my going out of myself (and you in yours)” scoffs perhaps at what is not and invites us to think what is more than to see it, in order to simulate at times what should be.

1 Gérard Genette, « La relation esthétique » (1997) dans L’œuvre de l’art, Seuil, Paris, p. 400.

2 I’m paraphrasing Marc Decimo’s analysis of Duchamp’s ready-mades. See Marc Decimo, Le Duchamp facile, Les Presses du réel, Dijon, 2005, p. 46-47.